Renaissance

Contrairement aux idées reçues, l’apport italien à l’art français, déjà initié par l’influence de la peinture siennoise du XIV^e siècle en Avignon ou encore le séjour dans la péninsule d’artistes français tel que le peintre du roi Jean Fouquet au XV^e siècle, ne date pas des expéditions de Charles VIII et Louis XII. Cependant, l’arrivée d’artistes italiens sur les chantiers des châteaux d’Amboise et de Blois, comme la percée de la pensée humaniste et le goût pour l’antique (activé par la diffusion de la gravure et la redécouverte à Rome des fresques de la Domus Aurea de Néron à partir des années 1480), introduisent progressivement les éléments d’un style transitoire empreint d’une richesse ornementale nouvelle. C’est François I^er, profondément épris de l’Italie, qui s’imposera finalement en grand ordonnateur du rayonnement italien, au travers des travaux entrepris dans la vallée de la Loire et dans son palais de Fontainebleau : sa galerie, chef-d’œuvre de Rosso Fiorentino et du Primatice, constitue un véritable manifeste artistique de la Renaissance en France et fascinera des générations d’artistes.

Lors de la Première Renaissance (1490-1530), bien que le décor italianisant fasse ses premières apparitions, la structure du meuble demeure médiévale, articulée autour d’une armature géométrique et fonctionnelle. Au début du XVI^e siècle, l’assemblage à coupe d’onglet, qui facilite le raccordement des moulures, devient courant. Alors que le mode de vie de la Cour reste itinérant, le coffre, à couvercle plat, reste une pièce fondamentale de l’ameublement.

Lors de la Seconde Renaissance (1530-1590), sièges, tables, armoires et dressoirs, dont les formes sont marquées par l’architecture gothique, puis par les ordres antiques, vont s’alléger. Le style évolue dans une veine toujours plus décorative, parfois tempérée par les survivances médiévales ou les spécificités locales. La seconde moitié du XVI^e siècle affirme le succès de l’armoire à deux corps, de la table de milieu à rallonges, ou encore du siège en « X » déjà présent au Moyen Âge. Les accotoirs des sièges s’évident vers des formes plus légères.

La transition du gothique tardif à la Renaissance impacte également le répertoire décoratif. Panneaux à « plis de serviette », contreforts et motifs répétitifs feuillagés cohabitent désormais, au début du XVI^e siècle, avec les pilastres, coquilles, têtes de profil en médaillon, candélabres, arabesques et rinceaux organisés symétriquement dans un décor « a grottesco ». Ces motifs prennent bientôt le pas sur les résurgences gothiques. Le renouveau décoratif se développe considérablement à partir de 1530 au sein de l’élégante École de Fontainebleau, s’exprimant sur les façades du mobilier comme sur les hauteurs des lambris. Sous l’influence des ornemanistes et des graveurs, tels que Hugues Sambin ou Jacques Androuet du Cerceau, cariatides, chimères, mascarons, cartouches, festons, pennes, oves, feuilles d’acanthe, personnages allégoriques et scènes mythologiques ornent parfois, en très haut relief, des meubles architecturés (avec fronton, entablement ou colonnes) d’un raffinement presque maniériste, alors que le style « Île-de-France » montre une tendance plus sobre et délicate, témoignant d’adaptations régionales.

La Renaissance apporte un certain nombre d’innovations formelles et de variantes adaptées aux usages de l’époque. Répondant au même souci de fonctionnalité qu’en son temps la table à tréteaux médiévale, la table sculptée, munie de rallonges et d’une élégante entretoise, se généralise à partir du milieu du XVI^e siècle.

Le siège tend quant à lui vers un allègement de sa structure : dans la catégorie des assises apparaît la « caquetoire », vers 1580, de forme trapézoïdale à haut dossier et fins accotoirs à bras ouverts. Destinée aux femmes et permettant de déployer une ample robe, elle tiendrait son nom du verbe « caqueter » signifiant bavarder.